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Ya no consumiremos arte como antes, y esta es una gran noticia. A las multitudes que vengan a admirar exhibiciones exitosas les seguirán nuevas formas de abordar obras, académicas o diletante.
En el momento en que la epidemia se extendió en el mundo, las artes visuales estaban medio vinculadas a un régimen estético que podría llamarse el de la presencia real (para usar en otro sentido la fórmula que califica anfitrión consagrado). En los pocos museos muy populares del planeta, en las ferias de arte contemporáneo, durante las subastas, las personas felices del mundo tuvieron el privilegio de acercarse a la verdadera Mona Lisa, única y auténtica en su sala del Louvre o ser allí cuando el martillo del subastador cae a un precio asombroso para el Conejopor Jeff Koons, etc. La otra mitad de este régimen, en solidaridad con el primero, fue, por supuesto, la presencia flotante, menos inmaterial que desmaterializada, de obras de arte en su reproducción digital hasta el infinito. El prestigio de las obras estelares se evaluó en número de clics planetarios y el encuentro con el trabajo así deseado se enfatizó en una foto de uno mismo al lado. Habíamos llegado a mantener esta relación con las obras de arte, hechas de hiper-familiaridad de los medios y comunión frecuente con ellas, por natural, requeridas por su propio ser de artefactos visibles. Ahora, los museos están cerrados, las bienales y las exposiciones canceladas, los viajes turísticos pospuestos indefinidamente. Esta situación no durará para siempre, pero es probable que no volvamos a la anterior pronto.
Nos damos cuenta, en primer lugar, de que este equilibrio muy particular por el cual una intensa difusión mediática de la imagen de ciertas obras (o ciertos artistas) mantiene el deseo de acceder a su presencia real como una consagración lejos de ser natural es, históricamente, reciente y estéticamente relativo.
Propongo llamar a este informe a las obras de arte «el modo eufórico». Es el de ferias, subastas y, en otra medida, museos y exposiciones de gran éxito. En este caso, lo que importa no es solo la presencia real de las obras, sino también la del público, de los demás que nos ven con las obras. Es un poderoso soporte para el mercado del arte, porque es intrínsecamente un modo de consumo de obras. La altura de este modo, demostró Banksy con brio, es la destrucción del trabajo en beneficio, es el caso, de la presencia. La autodestrucción de la pintura de un artista en el momento de la compra solo era posible (y necesaria) porque era una venta pública. De manera más general, la riqueza de una apertura respalda el valor, la calificación, del artista. Podemos entender a las multitudes en torno a las obras estelares de los grandes museos como una versión popular de este fenómeno. Como hemos sabido, el modo eufórico se verá profundamente afectado por las consecuencias de la crisis. Además de la crisis económica que conducirá a una retracción del mercado del arte, los coleccionistas temerán la promiscuidad, incluso elegante, de las aperturas o salas de subastas. Por lo tanto, los comerciantes encontrarán soluciones para recrear la euforia sin riesgo físico, probablemente mediante el desarrollo de sitios de ventas en línea selectivos. Para los museos que han promovido el modo eufórico como una visita ideal para su público y, por sí mismos, como modelo económico, el futuro es más oscuro.Lirios de agua como recuerdo del viaje que no hicimos no tiene mucho sentido) Por lo tanto, este modelo colapsará, y esta es una excelente noticia. Porque impuso a las colecciones públicas un modo destructivo de consumo (simbólica, incluso físicamente).
Resurgirán dos formas de abordar las obras de arte, tan antiguas que pensamos que ya casi se habían ido. El primero es «el modo académico». Él ve la obra de arte como una fuente y un objeto de conocimiento, y la presencia real de este último es menos necesaria para él. Fundador de la historia del arte moderno y autor de una magistral Historia del arte en la antigüedad, Winckelmann nunca estuvo en Grecia ni en Egipto. Mnémosyne de Warburg es un montaje de fotografías mediocres en blanco y negro. No hace falta haber visto la batalla de Cascina de Miguel Ángel a escribir sobre cosas interesantes – el diseño ya se había perdido en el XVI ° siglo, cuando Vasari recuerda.
Por al menos dos razones, el viejo modo académico es un modo del futuro. El primero proviene de las fuentes extraordinarias que Internet pone a disposición de los investigadores y los curiosos: colecciones enteras de museos, incluidas reservas, de todo el mundo, iconotecas, manuscritos. Cada uno de nosotros tiene en unos pocos segundos de investigación, y en un estado de esplendor que nunca se habría atrevido a imaginar, las reproducciones que un Daniel Arasse o un Meyer Schapiro, a fines del siglo pasado, tomaron meses o años para adquirir.
La segunda razón está relacionada con el arte contemporáneo, cuya parte de interés es conceptual. Por lo tanto, podemos perder menos al no ver, en presencia, obras de Khalid Rabbah o Bouchra Khalili (además, muy bien representadas en sus respectivos sitios) de lo que experimentamos placer al tratar de comprenderlas.
El tercer modo es «modo aficionado», solíamos decir «dilettante». Quiere la presencia real, pero de las obras de arte que el propio aficionado ha elegido, sin que se lo imponga su reputación de marketing, entre las colecciones de un museo, preferiblemente no muy lejos de casa. el. Se dirige hacia un trabajo por afinidad, porque era él, porque era ella. En la singular conferencia donde encuentra su placer, la multitud lo molesta. Los museos volverán a abrir. Pero temeremos a las multitudes tan populares hasta ahora, y los turistas, asustados y empobrecidos, ya no vendrán en masa. Las condiciones para acercarse a las obras de arte finalmente serán, en los principales museos de renombre internacional, las que nunca deberían haber dejado de ser, y que todavía están, en Europa, en los museos provinciales. Iremos al museo en pequeñas cantidades, Tal vez por reserva. Pero, a escala mundial, los grandes museos están muy lejos: casi todos en Europa y América del Norte. Por lo tanto, el futuro hosco debe abrirse a una utopía hecha posible. En Francia, el Consulado ha creado museos departamentales como el museo nacional, el Louvre. Los depósitos estatales garantizaban en cada prefectura (por lo tanto, menos de un día de viaje desde cualquier punto del departamento) la representación de lo que el sabor del tiempo tenía para los mejores: los profesores de italiano, francés y francés. «del Norte». Esto es lo que debe hacerse a escala planetaria. No para restaurar en África, pieza por pieza, las estatuas que el régimen colonial robó allí (las obras de arte siempre han sido despojadas por el poder dominante, son móviles, ese es su destino), pero que las antiguas potencias coloniales europeas prestan, depositan, en todo el mundo, y especialmente en el Sur, obras del Patrimonio Mundial tomadas de las reservas de nuestros museos. Y que desde muy lejos, poco a poco, los aficionados vienen a contemplarlos. Dado que el mundo ya no podrá acudir en masa a los grandes museos, los grandes museos ahora tendrán que prestarse al mundo, a unas pocas personas al mismo tiempo, a todos
